Kubismus in der Kunst - Plastik Upcycling

Kubismus in der Kunst

ADVERTISEMENT

Zwischen 1907 und 1914 wurde ein neuer Stil der visuellen Kunst geboren und entwickelt. Bis zu diesem Zeitpunkt malten Künstler bildliche Illusionen, die den kompositorischen Raum in linearen Perspektiven organisierten. Unter der Führung von Pablo Picasso und Georges Braque lehnte der aufstrebende Stil dieser Zeit die Theorie ab, dass Kunst die Natur kopieren sollte, und lehnte die traditionellen Techniken der Perspektive, Modellierung und Verkürzung ab. Picasso und Braque haben sich entschieden, die Zweidimensionalität der Leinwand anzunehmen und zu betonen. Sie reduzierten und brachen Objekte und richteten sie dann in einem flachen, reliefartigen Raum mit mehreren und zusammenziehenden Blickwinkeln neu aus.

Picasso wurde von den Werken von Paul Cezanne und Jean Dominque Ingres beeinflusst und war fasziniert von mehrdeutigen Silhouetten. Picasso begann auch Elemente der primitiven und afrikanischen Kunst aufzunehmen. Es wird angenommen, dass nach Braque Picassos gesehen hat Die Damen von AvignonBraque machte sich daran, seinen Stil in einer freundschaftlichen Rivalität mit seinem Freund Pablo Picasso absichtlich zu ändern. Picasso und Braque befolgten Cezannes Rat, dass Künstler die Natur in Bezug auf den Zylinder, die Kugel und den Kegel behandeln sollten. Sie betrachteten ihr Thema und fragmentierten es, analysierten es und setzten es in abstrakter Form wieder zusammen. Proportionen, organische Integrität und Kontinuität von Lebensproben und materiellen Objekten wurden aufgegeben. Ein bösartiger Kritiker sagte, die Arbeiten ähnelten einem Feld aus Glasscherben. Der Kubismus war die radikalste und einflussreichste Bewegung in der Kunst des 20. Jahrhunderts. Die Bewegung begann eine Revolution in der bildenden Kunst, mit der sich alle nachfolgenden Maler auf irgendeine Weise befassten. Als der französische Kunstkritiker Louis Vauxcelles Braques stark abstrahierte Landschaften von 1908 sah, prägte er das Wort Kubismus, um den neuen Stil zu beschreiben, der aus geometrischen Würfeln zu bestehen schien.

In Wirklichkeit ist es die Facette, nicht der Würfel, der den Schlüssel zum Kubismus darstellt. Von 1908 bis 1913 variiert die Facettengröße, ist jedoch im Grunde ein kleiner Bereich, der von geraden und gekrümmten Linien begrenzt wird, wobei die beiden benachbarten Kanten mit hellen Tönen und die beiden gegenüberliegenden Kanten mit dunklen Tönen definiert sind. Der Bereich dazwischen moduliert zwischen den beiden Extremen. Es gibt drei Grundprinzipien von Facetten, die ein fast basreliefes Aussehen bieten. Facetten werden fast immer wie in einem Winkel zur vertikalen Oberfläche der Leinwand gemalt. Facetten überlappen sich und werfen in inkonsistenter Weise Schatten aufeinander. Die Kanten der Facetten lösen sich auf. Einige denken, dass der Kubismus eine räumliche Verschiebung aus verschiedenen Perspektiven innerhalb derselben Zeit und in demselben Raum zeigt und die reale zweidimensionale Flachheit der Leinwand betont, anstatt das illusorische Erscheinungsbild der Tiefe zu vermitteln.

Bis 1910 war das Thema in kubistischen Werken erkennbar. Die Figuren wurden seziert und analysiert, aber wieder zu etwas zusammengesetzt, das dem ursprünglichen Objekt ähnelte. Im Jahr 1911 begannen Picasso und Braque mit simulierten Texturen, Schatten und moderner Schablonentypografie zu experimentieren. Die konzeptuellen Ebenen von Figuren und Objekten wurden zu einem strengen, depersonalisierten Stil entwickelt. Diese Periode des analytischen Kubismus, auch hermetisch genannt, die die ultimative Analyse eines Objekts darstellt, fragmentierte dreidimensionale Formen auf einer zweidimensionalen Ebene. Picasso und Braque reduzierten ihre Motive auf eine Reihe überlappender Ebenen und Facetten in Braun, Grau und Schwarz. Ihre ähnlichen Kompositionen sind in Ebenen unterteilt, in denen offene Kanten ohne Tiefe ineinander gleiten. Die monochromatische Farbe wird gleichmäßig in kleinen Pinselstrichen aufgetragen, wodurch Lichtschwingungen entstehen. Sand oder Sägemehl, die mit der Farbe aufgetragen wurden, erzeugten ein Relief und machten das Bild physisch zu einem Objekt. Zu den Lieblingsmotiven gehörten Musikinstrumente, Flaschen, Bilder, Gläser, Zeitungen, Spielkarten sowie das menschliche Gesicht und die menschliche Figur. Oft enthielten sie umgekehrte Gegenstände des künstlerischen Illusionismus, als würden sie sich über eine zweidimensionale Darstellung lustig machen. Landschaften waren selten.

Die Farbe kehrte in der Zeit des synthetischen Kubismus um 1912-1913 zurück. Picasso und Braque haben das Papiersammeln oder die Papierschule in die Werke dieser Zeit aufgenommen und Dinge wie Zeitungspapier, Ticketstubs, Tapeten und echte Spielkarten hinzugefügt. Diese Objekte wurden verändert, überlappt und auf die Leinwand geklebt. Mit diesen Ergänzungen wurden die letzten Spuren des dreidimensionalen Raums oder des Illusionismus, die im analytischen Kubismus verblieben waren, weggefegt. Anstatt Objekte durch wieder zusammengesetzte Facetten hervorzurufen, verwendete der synthetische Kubismus große Stücke neutralen oder farbigen Papiers, um auf ein bestimmtes Objekt hinzuweisen. Oft wurden sie in die gewünschte Form geschnitten oder trugen ein grafisches Element, das die Assoziation verdeutlichte. Hellere Farben, ornamentale Muster, wellige Linien und runde sowie gezackte Formen sind in den 1930er Jahren in Arbeit.

Max Weber war ein amerikanischer Künstler, der in seiner frühen Zeit dem Kubismus ausgesetzt war, als er von 1905 bis 1909 in Paris arbeitete. Im Winter 1910-1911, nach seiner Rückkehr nach New York City, nahm Weber den Kubismus in sein amerikanisches Fachgebiet auf. Seine Arbeiten verbinden sein Interesse am Kubismus mit der futuristischen Sichtweise der italienischen Avantgarde auf dynamische Bewegung und Natur im Wandel. Obwohl Webers Interesse an kubistisch-futuristischen Experimenten nur wenige Jahre anhielt, hatte er einen tiefgreifenden Einfluss auf John Marin und Joseph Stella, die beide in New York City tätig waren.

Der Krieg von 1914-19 beendete die Zusammenarbeit zwischen Picasso und Braque, aber die kubistische Kerngruppe blieb bis in die 1920er Jahre aktiv. Kubisten verfolgten einen geometrisch analytischen Ansatz in Bezug auf Form und Farbe und zerschmetterten ein fokussiertes Objekt in geometrisch scharfkantige Stücke. Der Kubismus misstraut den gesamten vom Auge gesehenen Bildern, lehnt diese Bilder ab und erkennt, dass der perspektivische Raum eine illusorische Erfindung ist. Der Kubismus versucht, die Kraft des Geistes nachzuahmen, verschiedene Eindrücke der Welt zu abstrahieren und zu neuen ganzen Bildern zusammenzufassen. Die kubistische Sichtweise ist analog zur Natur, basiert jedoch auf unterschiedlichen Prinzipien. Picasso und Braque schufen diese neue visuelle Sprache, aber viele andere folgten und entwickelten den Stil weiter. Unter ihnen waren Fernand Leger, Robert und Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes, Jean Metzinger und Diego Rivera. Die vom Kubismus begonnenen befreienden Konzepte sind in späteren Werken von Dada und den Surrealisten sowie in abstrakten Künstlern in vielen Ländern zu sehen. Darüber hinaus hatte der Kubismus einen großen Einfluss auf die Architektur und Skulptur des 20. Jahrhunderts. Zu den bekannten kubistischen Bildhauern zählen Alexander Archipenko, Henri Laurens und Jacques Lipchitz.

ADVERTISEMENT

About admin

Check Also

Der maskierte Narr

ADVERTISEMENT Der Narr Meine erste direkte Erfahrung mit dem Narren beim Maskieren war, Morris Dancing …

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *